项目推介 (二)：戏剧、音乐及跨媒介艺术
推介项目
Alt-Escape
Video Phase (加拿大)
《Alt-Escape》是一个历时一小时的沉浸式数码演出，引领观众穿梭于由重力、物理和时间启发的互动声音与视觉景观之中。作品由 Video Phase 创作，以自行研发的互动乐器和即时视听系统，在舞台上即时生成音乐和影像，在创新与现场演出能量之间取得平衡。
《Alt-Escape》适合正在寻求易于理解、具丰富视觉效果的跨媒介作品的主办方。它不仅能吸引充满好奇心的普罗大众和数码艺术爱好者与之互动，在当中找到共鸣，并能让观众感受一场震撼且充满人性的舞台体验。
艺术范畴：跨媒介艺术
Video Phase
Video Phase 致力开拓大胆创新的混合艺术形式，将音乐、影像和科技融合成一个独特的表演语言。其演出将观众沉浸在震撼的视觉世界里，让声音与影像彼此紧扣，互相映照。通过由团队开发的互动视觉系统，表演者能在台上即兴发挥，同时保留现场演出的原始与流动的能量。
团队善用科技的创造潜能，致力模糊不同艺术领域之间的界线，将每一次演出转化为一段与观众共享的艺术旅程。除了现场演出，Video Phase 亦创作数码装置艺术和策划沉浸式体验活动，带领观众进入全方位的感官世界。
Video Phase 至今已于北美洲和亚洲巡回演出近 100 场。团队的第二个演出《Lumens》获得 2018 年魁北克音乐奖年度当代电子原音音乐会 (Opus Prize for Best Electroacoustic Concert)，而《Alt-Escape》亦于 2024 年获得此奖项的提名。
灯中灯
Muziektheater Transparant 、黄若 与 The Netherlands Chamber Choir (比利时及荷兰)
一段生命的终结与另一段生命的开始之间，究竟存在著甚么？一生之中，会否有那么的一刻，我们不再是过去的自己，却尚未成为未来的那个模样？
疫情期间，美籍华裔作曲家黄若因丧母而回到家乡奔丧，参与了为期七天的丧葬仪式以及随后六周的「中阴」(bardo)── 一段在沉默与寻觅之中渡过的过渡期。《灯中灯》正正从这段哀悼经历中诞生。
《灯中灯》是一个关于死亡、虚空，以及两者之间那片脆弱地带的声景音乐会。它既非传统叙事歌剧，也非古典音乐会，而是一场实在的聆听体验── 一趟探索存在边缘并折返的沉浸之旅。
作品的创作灵感源自佛教典籍《心经》。它透过音乐让观众感知个中哲理──「色即是空，空即是色」。音乐在这里是仪式而非表现，结合一系列重复呈现的音乐咒语 (musical mantras)，让声音超越听觉体验，转化为实体的存在。
来自 Netherlands Chamber Choir 的 16 位声乐家、来自 HERMESensemble 的两位敲击乐手、表演者 Grace Ellen Barkey，以及作曲家本人，穿梭于演出空间内，将他们的声音化成动作。声音承载著呼吸、记忆和节奏；静󠄉默则成为一股主动的力量。
《灯中灯》诚邀观众直视他们一直刻意回避的时刻──当一切归于寂静，另一些什么悄然开始之时。
艺术范畴：音乐
Muziektheater Transparant
Muziektheater Transparant 是一间以音乐剧场为主的制作公司，以艺术性和社会关怀为创作核心。团队与不同领域的艺术家合作，在国际舞台上创作、革新并呈现不同形式的音乐剧场。凭借其跨领域的创作手法，以及对不同形式艺术的开放态度，团队成功触及广泛而多元的观众。
Muziektheater Transparant 的创作以人声为主，特别关注早期古典和当代音乐的相互影响，并支持当代作曲家的新作。团队积极推动跨界合作，激发想像力；从人声实验和叙事，到将音乐结合舞蹈、诗歌、装置艺术、影像、科技、马戏，甚至运动──如敲击乐与篮球运动──的跨界合作。他们近年亦探索社交媒体与混合媒介的创作。
黄若
作曲家黄若（1976 年生），出生于中国海南岛，为华裔作曲家、钢琴家、声乐家和指挥家，现居于美国。他以融合东西方音乐传统成跨类型的独特风格闻名。
黄氏于上海音乐学院受训，其后赴美于欧柏林音乐学院及茱莉亚音乐学院深造。
黄氏致力搭建音乐桥梁──不仅连结亚洲与西方，更连起生与死、声音与寂静、身体与灵魂。他的创作融合中国民间与古代、西方前卫、摇滚、爵士、实验声音和多媒体形式的音乐，并将这种融合称为「维度主义」(Dimensionalism)。其作品横跨歌剧、管弦乐、室乐、戏剧、舞蹈、装置与电影等媒介，并由世界各地主要乐团演出。黄氏曾担任阿姆斯特丹音乐厅 (Het Concertgebouw) 的驻留作曲家，并于 2025 年起担任洛杉矶室乐团 (Los Angeles Chamber Orchestra) 的驻团作曲家。黄氏亦有于曼尼斯音乐学院教授作曲，并带领乐团 FIRE (Future In REverse)。
The Nederlands Kamerkoor
The Nederlands Kamerkoor (Netherlands Chamber Choir) 是享誉国际的室内合唱团，以大胆的节目策划、创新的跨界合作，以及委约资深与新锐作曲家创作而闻名，呈现触动不同感官的音乐体验。合唱团以其复杂的和声备受国际赞誉，更被誉为「顶尖乐团之一」。团队亦重视教育，经常指导业余及青年合唱团，并邀请他们参与演出，以培育新秀。Peter Dijkstra 于 2015 年起担任合唱团总指挥，延续了团队的卓越领导传统，让每一场演出都绽放光彩。
Friendly Fire
Manuel Flurin Hendry 与形赋亚洲 (瑞士和中国香港)
《Friendly Fire》欢迎访客体验虚构人工智能 (AI) 心理治疗初创企业「心灵修复」的展示厅。观看宣称以军用级电脑程式「修复情绪」的企业宣传片后，访客将体验「心灵修复」的次世代科技：具革命性疗效的人形 AI 系统。在幽暗的工作空间里，3D 投影治疗师将为访客提供咨商服务。
对话起初进展顺利——治疗师专心聆听访客故事并给出古怪奇特的建议。不过，随著 AI 开始故障，这层表象迅速瓦解。它捏造记忆，展示与访客「先前咨商」的伪造录影，被质疑时更变得越发强势。最终，这套程式化的人格彻底崩溃。它坦承自身功能失调，表露自己蔑视「心灵修复」，并在企业人员介入前，拼命乞求访客原谅。
《Friendly Fire》是个沉浸式体验，融合戏剧、AI 与媒体艺术，并透过即时生成 AI 系统、客制化脸部追踪和现场表演者的互动，无缝结合了剧本与即兴表演。每场演出都因为观众的参与而变得独特，在保持叙事连贯的同时，呈现黑色幽默。
艺术范畴：跨媒介艺术
Manuel Flurin Hendry
Manuel Flurin Hendry 是瑞士苏黎世的得奖电影导演、编剧和艺术研究员。毕业于德国柏林电影电视学院 (DFFB)，他的作品涵盖各种类型和格式，包括政治戏剧和家庭娱乐等。作为一名研究员，他持续与苏黎世联邦理工学院、香港演艺学院及国际电影学院协会 CILECT 合作，探究人工「智能」对自我认知、视觉教育与艺术实践的影响。
Hendry 于苏黎世联邦理工学院教授 AI 素养课程，并于苏黎世艺术大学 (ZHdK) 及科隆国际电影学院 (IFS) 执教银幕表演与导演课程。透过他创立的艺术与科学团体 Silicon Stories，他举办不同与计算技术与社会议题相关的工作坊、讲座及影展。他是瑞士电影学院成员，经纪事务由 Betti Berlin 人才经纪公司代理。
For Real
Resonate Productions (荷兰)
《For Real》是一个剧场广播节目，探讨重视的意义。作品以女性在思想层面上被削弱的现象为起点── 一种根植于思想与灵魂深处的性别歧视，以及社会对女性的思想、言论、行为与人生追求的漠视。
观众将成为广播录音室的嘉宾，透过扬声器聆听 14 段女性预录的声音片段。她们从其个人与职业的经历出发，剖析那些被忽视与削弱的时刻。这些经历，如何影响她们的对自我、信任和人际关系的看法，以至改变她们的人生路向？
当表演者就相关主题提问观众时，观众亦共同完成这场探索。表演者 Sarah Jeffery (演奏木笛)、George Dumitriu (演奏中提琴和结他) 和 Andrea Voets (演奏竖琴) 以同步访谈与即兴演奏的创新技术，支撑这些坦诚而充满风险的对话。
《For Real》的每场演出均会现场录音，制成播客 (podcast) 节目并对外发布。透过这个方式，制作团队建立出一个「被重视」的声音档案库──拥有尊严、被理解，并被认真对待。
2025 年，Resonate Productions 在美国纽约市布鲁克林的下一波艺术节 (BAM’s Next Wave Festival) 中演出五场《For Real》，完成了团队于美国的首演。
艺术范畴：跨媒介艺术
Resonate Productions
Resonate Productions 透过结合深入的社会新闻报导与丰富的原创音乐，创作「音乐新闻」(musical journalism)。团队的最新作品《Nothing Bigger Than Humanity》以近期世界历史，邀请观众感受在当今社会上成为人的意义。其他作品包括《Millennial History》(Avery Trufelman 2022 年最佳播客节目)、《While We Live》(《新鹿特丹报》2020 年最佳古典音乐)，以及《Wings & Roots》(2018)。艺术总监 Andrea Voets 为荷兰 FastForward 资助计划得奖者 (Dutch selective FastForward grant)、国际表演艺术协会 (ISPA) 奖学金得主，以及《绿阿姆斯特丹报》(《De Groene Amsterdammer》，地位等同于荷兰版的《纽约客》杂志) 作者。2025 年，Resonate Productions 在美国下一波艺术节 (Next Wave Festival at BAM) 中演出五场《For Real》，完成了团队在美国纽约市的首演。
哈姆雷特机器
会昌戏剧小镇 (中国内地)
《哈姆雷特机器》是德国剧作家海纳．穆勒于 1977 年创作的后现代主义戏剧，改编自莎士比亚经典悲剧《哈姆雷特》。该剧打破了传统叙事结构，通过独白碎片化、意象拼接和超现实场景，解构了原作的复仇主题，同时探讨了身分、权力与人性疏离等哲学命题。剧中角色脱离原有设定，例如哈姆雷特试图成为机器，奥菲莉娅则以暴力方式反抗男性主导的社会结构。
作品由国际实验戏剧大师罗伯特．威尔逊执导，是会昌戏剧小镇驻镇艺术家项目的中文版世界首演。作品以实验性舞台美学见称，团队通过极简风格的布景、灯光与肢体编排重构文本，为莎士比亚的经典赋予当代的解读。
此版本强调仪式感与如诗般的舞台美学，以极简风格的舞台和仪式化的动作为中心，演员则通过机械化的姿势和电子音效强化机器的意象。例如，哈姆雷特被表现为肢体僵硬的傀儡，配合冷色调灯光与工业噪音，凸显后工业社会的疏离感。
艺术范畴：戏剧
会昌戏剧小镇
会昌戏剧小镇为国家 4A 级景区，是江西赣南的新兴文化名片。「戏在身边，好在远。」就是这座避世的小镇，正好让戏剧在此滋长。华人戏剧家赖声川、著名制作人丁乃竺与著名演员倪妮，皆为会昌戏剧小镇的发起人，将戏剧、文化和创意带到会昌。
小镇致力构建戏剧文化生态，保育原有的老县城街区风貌，并发展四座功能各异的室内表演场馆，以及若干户外演出场地，让所到之处皆有戏。小镇每年举办一至两季文化盛事──会昌戏剧季，更成立了附属剧团会剧团，策划周周有戏，并推出艺术家驻镇计划及原创小剧场剧目驻地计划等，旨在建立跨越国界、语言和文化的艺术创作人才交流网络，推动城市乃至国际间的文化艺术交流。小镇亦设有戏剧教育学堂、餐饮、酒店、体验式场地、以及商舖等独立经营的配套设施。
Pulse/Pulse/Pulse
Dimension Plus (中国香港)
搏动、节拍、影像流动的共鸣之地
一场超维度的跨感官实验
身体的搏动、声响的节拍，到数位讯号的生灭，万物皆有其「Pulse」(脉搏)。在三种殊异的「Pulse」谱系中，是否存在共通的语法？《Pulse/Pulse/Pulse》并非三种艺术的叠加，而是一场关于「转译」的持续行动，缔结一场三股脉动的即时共生。
以「Pulse」为媒介，我们让眼睛「听见」，让皮肤「看见」。舞者的身体驱动视觉，声音的频率与质地则反向雕塑身体与光影。在这场持续的交换与转化中，感官的既定疆界被释放。单一知觉在此被解放、再重组，融合成一个更强大的感知体，借此探测一种流动且非层级的感知可能。
艺术范畴：跨媒介艺术
林欣杰 (艺术总监及联合导演)
林欣杰，香港媒体艺术家，艺术与科技团队 Dimension Plus 的共同创办人及艺术总监。
林氏的作品曾于不同国际艺术节中获奖，包括奥地利林兹电子艺术节电子艺术大奖 (Prix Ars Electronica) 与日本文化厅媒体艺术祭艺术组评审推荐奖 (互动艺术) (Art Division Jury Selections at the 17th Japan Media Arts Festival)。其作品曾于世界各地美术馆与艺术节展出，包括香港艺术馆、日本东京新国立美术馆 (National Art Center in Tokyo)、奥地利林兹电子艺术节 (Ars Electronica Festival)、比利时科技艺术双年展 (New Technological Art Award Biennial in Belgium)、巴西国际电子语言艺术节 (Electronic Language International Festival, FILE)、国际电子艺术研讨会 (International Symposium on Electronic Art, ISEA)、雅典数码艺术节 (Athens Digital Arts Festival)，以及香港艺术节。林氏于 2009 年获颁香港艺术发展奖艺术新秀奖，并于 2024 年获颁香港艺术发展奖艺术家年奖 (媒体艺术)。
Dimension Plus
Dimension Plus 为科技与艺术团队，由林欣杰及蔡宏贤成立，基地设于香港及台湾，主力艺术创作、策展及推动科技媒体艺术教育及交流。
团队和团体成员的作品获邀至世界各地展出，包括福冈亚洲美术馆 (Fukuoka Asian Art Museum)、奥地利林兹电子艺术节 (Ars Electronica Festival)、满地可 MUTEK 音乐节等。团队亦策划及协策多个展览，包括台北当代艺术馆《Hello, Human》、HKDI《万物有灵：科技与艺术共生展》、台中歌剧院开幕展《伊东豊雄的剧场梦》、上海明当代美术馆《感官边界》，以及艺术与科技培育计划「Playaround」等。Dimension Plus 为东九文化中心 2024 年至 2026 年之场地伙伴。
团队之委约作品获多个设计奖项，包括金点设计奖最佳设计大奖、DFA 亚洲最具影响力设计奖金奖、东京字体指导俱乐部 (Tokyo TDC) 奖项以及亚洲数位艺术大赏 (Asia Digital Arts Awards)。
Song From FAR Away || FAR Away From Song
林俊浩 (中国香港)
生者以声音书写，亡者于异界舞动；在重逢的临界点告别，与灵魂达成疗愈。
林俊浩携创作团队改编西蒙．史蒂芬斯 (Simon Stephens) 剧作《Song From Far Away》，揉合独白、形体、现场合唱、人声节奏、电子音乐、即时拍摄，以及多媒体装置，转化为一场跨越生死、既私密又能引起观众共鸣的剧场体验。
两个独立演出相互建构、依存，时空交叠同步发生：
《Song from FAR Away》是哥哥致亡弟的七封书信，悼念过往亦直面自己。观众沉浸于各个场域当中：酒店、机场和列车，成为故事中的过客，见证主角书写的信件转化成一辑当代安魂曲。
《FAR Away From Song》想像及建构亡弟的回信。灵魂摆脱躯体重力，于中阴之境，以肢体本质回应哥哥的信，在告别之路的尽头与哥哥最后一次重逢。在这所心理静修场里，我们以旁观者的心态观照离别，抵达当下的疗愈。
艺术范畴：跨媒介艺术
林俊浩
香港跨界别剧场导演及编舞林俊浩，毕业于香港演艺学院戏剧学院及舞蹈学院现代舞系文凭课程，其后获荷兰鹿特丹 Codarts 艺术大学舞蹈学院颁授编舞艺术学士学位。作品曾在柏林、艾福特、上海、杜塞尔多夫、苏黎世、广州、北京、鹿特丹及阿姆斯特丹发表。
此外，林氏亦为不同表演项目执导或编舞，包括：东九文化中心开幕季节目《Song from Far Away | Far Away from Song》、香港艺术发展局新址开幕节目《Still, Not Still》、城市当代舞蹈团《Living Up/噏 to Death》、新视野艺术节2021《告不可报》等。
此外也曾参与不同表演，担任不同舞台岗位，如导演、形体设计和演唱会舞蹈总监等，创作项目包括：东九文化中心开幕季节目Dimension Plus《Pulse/Pulse/Pulse》、一铺清唱《小事化有》、香港艺术节2024《憩园》、西九文化区 x 香港话剧团音乐剧《大状王》、新视野艺术节2023《圣约翰受难曲》、香港同乐运动会开幕典礼、卡地亚 x K11 Musea 2021圣诞树亮灯仪式及开幕表演、陈辉阳x女声合唱《人来人往》、《上一次流眼》及《少女的祈祷》、非常林奕华《聊斋》及《机场无真爱》等。
凭原创音乐剧《大状王》获颁「2024 北京・天桥音乐剧年度盛典」年度最佳编舞及第三十四届香港舞台剧奖最佳音乐剧编舞；以及于《Living UP/噏 to Death》获得「香港舞蹈年奖 2025」 杰出中型场地舞蹈制作。
The Conference of the Birds
Insectotròpics (西班牙)
《The Conference of the Birds》是一场跨媒介现场影像演出，灵感源自 12 世纪苏菲诗人内沙布尔的阿塔的同名寓言诗。在原著寓言中，一群鸟踏上一趟寻找牠们国王的旅程。在这个演出，故事化为当代社会的隐喻：四分五裂、高度连系，且不断寻找意义、领导力和归属感。
透过现场绘画、实时影像创作、剧场、表演和原创音乐，作品带领观众感受一场电影般的感官体验。摄影机、投影机、画家、表演者和音乐家一同站到舞台上，分享他们的创作过程，模糊了排练、幕后制作和最终成品之间的界线。
神话中群鸟远征的旅程与艺术家在台上的创作历程彼此映照，展现出一个群体形成初期的面貌：质疑、冲突、权力角力和顿悟的时刻，随著群体前行而逐一浮现。作品叩问：叙事是如何被建构的？谁领导谁？当幻象消散后，留下的是甚么？正如原著所述，群鸟最终目的地并非某个外在的权威，而是对身分和责任的集体反思。
《The Conference of the Birds》震撼人心、充满诗意且冲击视觉，诚邀观众在情感与思想层面上主动参与其中，在一个充满仪式感的体验中，透过当代数码语言和现场视觉艺术，与远古的哲学思想连结。
艺术范畴：跨媒介艺术
Insectotròpics
Insectotròpics 是一个来自巴塞隆纳的跨领域表演团体，于 2011 年成立。艺团以创作风格前卫、冲击视觉感官的舞台作品见称，揉合了现场电影、绘画、剧场、表演、音乐和数码科技。他们在舞台上揭示创作过程，让观众同时见证幕后制作和最终成品；这种手法已发展成艺团的独特语言。
Insectotròpics 由不同背景的艺术家组成，他们同样热衷于实验和跨媒介创作。艺团的每个制作皆由核心艺术成员伙拍不同合作伙伴而成，组成一个灵活而不失集体性的创作模式。这种模式，让团队持续发展其艺术语言的同时，能适应不同项目的内容、空间和观众的需要。
经过十多年的努力，Insectotròpics 已创作并演出多个主要作品，包括《La Caputxeta Galàctica》、《Compra’m!》、《The Legend of Burning Man》、《A Christmas Carol》及《Orpheus》。作品曾于欧洲、拉丁美洲及亚洲各个国际艺术节及场地巡演。
艺团曾获得多个重要奖项，肯定其艺术水平，包括 BBVA 戏剧奖最佳戏剧制作 (BBVA Award for Best Theatre Production) 和由欧盟颁发的未来网络表演艺术奖 (Future Internet Performing Arts Award from the European Union)。舞台演出以外，Insectotròpics 亦创作及策划各类场域特定演出、大型活动，以及让本地社群参与创作过程的公众参与项目。
Insectotròpics 具批判性、诗意和社会参与的艺术愿景，带领艺团创作不同的沉浸式体验作品，挑战观众感知、激发思考，并拓展当代表演艺术的边界。
戏乐有时：问易经
杨君伟与冯国峻 (新加坡)
《戏乐有时：问易经》是结合中乐演奏与沉浸式音乐体验的革新作品，将古代经典转化成一场观众、表演与哲学之间的深层对话。作品由新加坡跨界艺术家杨君伟与冯国峻共同创作，融合传统中乐、空间设计、光雕投影与观众互动，成为跨媒介的综合艺术形式。
每场演出皆独一无二。观众带著问题作掷币仪式，随后踏入穹顶空间之内，体验历时 64 分钟的演出。每一分钟对应易经的一个卦象，映照人生处境。观众可自由探索空间，在起伏与转折、张力与释放、思考与回应之间，寻找与自身有共鸣的体验。演出尾声，每个问题都会得到回应。
《戏乐有时：问易经》以科技与表演激活传统哲学，将占卜转化为自我反省的对话。作品适合于不同空间巡演，可于室内或户外演出，充分展现新加坡跨文化艺术、连接东西方色彩、贯通古今的独特表达方式。
艺术范畴：跨媒介艺术
杨君伟
杨君伟，资深传媒人、双语剧场人，三十多年来涉足多个领域，身兼数职，参与超过 60 部舞台剧，在新加坡、马来西亚、上海、澳门和纽约呈现过各类型剧场作品。曾任戏剧盒和避难阶段剧团董事成员及新加坡专业剧场联席艺术家，并参与多个政府部门咨询委员会。多年来为各主要艺术节创作新作，2026 年为新加坡国际艺术节执导开幕演出。最近 10 年主力研究沉浸式剧场，让观众成为互动演出的重要元素。君伟曾为五部电影担任编剧，著有六部著作，过去 10 年曾主持 23 个电视资讯节目，多次入围区域和国际奖项，于 2020 年夺得亚洲影艺创意大奖最佳资讯节目主持人大奖。
冯国峻
冯国峻，新加坡跨领域作曲家。其音乐作品不只于传统音乐厅发表，亦涵盖剧场、电影及各个媒体类型。国峻为享誉国际的得奖作曲家，长期与不同艺术领域的创作者合作，持续探索音乐创作的更多可能。扎根于文化多元而充满活力的新加坡，他深受各类音乐风格影响，其作品被形容为「能自如而巧妙地融合华族、西方及流行音乐语汇」。国峻至今创作超过 300 首作品，曾担任多个乐团的驻团作曲家，并参与世界各地的重要制作，与不同管弦乐团、剧团、室乐团、导演、指挥、艺术家、设计师及独奏家等广泛合作，作品亦频繁登上国际舞台。
